CELE MAI IMPORTANTE 15 CARACTERISTICI ALE TEATRULUI - ARTĂ - 2025

Cele mai importante caracteristici ale teatrului sunt strâns legate de elementele comune oricărei piese sau spectacole. Termenul de teatru își are originea în cuvântul grecesc theatron, care înseamnă un „loc de veghe”.

Prin urmare, inițial, teatrul se referea atât la un loc cât și la o formă particulară de percepție. Astăzi, conceptul de teatru se poate referi la: o clădire, o activitate („a merge la” sau „a face” teatru), o instituție și o formă de artă.

Teatrul este ramura artei scenice legate de actorie și reprezentarea poveștilor în fața unui public live, folosind o combinație de discursuri, gesturi, peisaje, muzică, sunete și spectacol care încearcă să stimuleze și să încânte privitorul.

Mintea joacă, de asemenea, un rol important în teatru, deoarece această expresie artistică este descifrată în funcție de percepția și imaginația spectatorului.

Toate piesele au elemente comune care caracterizează această artă. Mai jos, veți putea vedea cele mai importante funcții în detaliu.

15 elemente caracteristice ale teatrului

1- Plot

Sursa: Morruelo prin Wikimedia Commons)

Este ceea ce se întâmplă în lucrare. Se referă la acțiune. Organizarea evenimentelor sau selectarea și ordinea scenelor într-o piesă. Potrivit lui Aristotel, este un concept abstract care se referă la dispunerea incidentelor care constituie materia primă și componentele poveștii.

Complotul este modul în care aceste incidente sunt structurate într-un întreg coerent. Dacă aranjamentul comenzii originale este modificat, va fi generat un nou cadru. Două tipuri de complot predomină în teatru. În continuare, principalele sale caracteristici și elemente de diferențiere:

Cadru de rezoluție

• Parcela începe târziu în poveste, mai aproape de final sau de punctul culminant.
• Acoperă o perioadă scurtă de timp.
• Conține câteva scene solide și extinse.
• Apare într-o locație restrânsă, o cameră sau o casă.
• Numărul de caractere este sever limitat.
• Puține subplote sunt ridicate.
• Linia de acțiune se desfășoară într-un lanț de cauză și efect. Personajele și evenimentele sunt strâns legate într-o secvență aproape inevitabilă de dezvoltare logică.

Dezvălui complot

• Complotul începe relativ timpuriu în poveste și se trece printr-o serie de acte.
• Acoperă perioade lungi de timp.
• Multe scene scurte și fragmentate sau alternanța dintre scene scurte și lungi.
• Poate acoperi un întreg oraș sau chiar mai multe țări.
• Abundența de personaje.
• Frecvent marcate de mai multe fire de acțiune, mai multe povești paralele.
• Scenele sunt asociate între ele. Un eveniment poate rezulta din mai multe cauze, sau nicio cauză aparentă, dar apare într-o rețea de circumstanțe.

2- Subiect

Sursa: Martinbayo prin Wikimedia Commons)

În timp ce complotul se referă la acțiunea piesei, tema se referă la semnificația piesei. Uneori este clar menționat în titlu.

Alteori poate fi afirmat prin dialog de către un personaj care acționează ca vocea dramaturgului. Uneori, subiectul este mai puțin evident și apare numai după analizarea conținutului lucrării.

3- Personaje

Sunt oamenii, animalele sau ideile care sunt reprezentate de actorii din piesă. În termeni structurali, personajele sunt agenții de acțiune, cei care oferă motivații pentru ca evenimentele din complot să se producă.

Fiecare personaj ar trebui să aibă propria personalitate, vârstă, aspect, credințe, fundal socioeconomic și limbaj. În funcție de funcțiile lor în lucrare, pot fi descrise câteva tipuri de personaje:

• Protagonist : personajul principal.
• Antagonic : adversarul principal al personajului principal.
• Contrapartide : Acestea dezvăluie unele aspecte ale personajului principal prin faptul că au circumstanțe sau comportamente similare sau diferite.

4- Script sau text

Acesta este punctul de plecare al spectacolului teatral. Este textul prin care este creată piesa. Constă din dialog, instrucțiuni de scenă, descrieri ale personajelor și altele asemenea într-o piesă. Se referă la cuvintele scrise de dramaturg și interpretate de personaje.

5- Gen

Clasa distinctivă a operei. Genul provine dintr-un cuvânt francez care înseamnă „categorie” sau „tip”. Alegerea genului reflectă punctul de vedere al scriitorului față de subiect.

Următoarele tipuri de piese sunt interpretate de obicei în teatru: tragedie, comedie, melodrama și tragicomedie. Fiecare dintre aceste genuri poate fi împărțit în continuare după stil și conținut în:

Tragedie

Este o imitație a unei acțiuni serioase, complexe și relevante. Tragedia este, prin natură, serioasă în subiectul ei și tratează probleme profunde. Aceste probleme profunde sunt universale și trezesc compasiune și teamă în audiență, deoarece acestea sunt martorii acțiunii.

Comedie

Are viziunea de a face audiența să râdă, de obicei este fizică și energică. Comportamentul personajelor prezentate este ridicol și uneori absurd. Stimulează audiența să corecteze comportamentul societății.

Melodramă

Este drama dezastrului, circumstanțele dincolo de controlul protagonistului provoacă evenimentele semnificative ale complotului. Aspectele de vinovăție și responsabilitate ale protagonistului sunt înlăturate.

Protagonistul este o victimă a circumstanțelor. Melodrama are un sentiment de judecată morală strictă. Toate problemele prezentate sunt rezolvate într-o manieră bine definită. Personajele bune sunt răsplătite, iar personajele rele sunt pedepsite.

Tragicomedie

Este o reflectare a vieții în sine, conține toate genurile anterioare. Nu se preface că judecă și nici nu face judecăți absolute. Se concentrează pe relațiile de caracter și arată societatea într-o stare de flux continuu.

6- Costume și machiaj

Sunt elemente care servesc la caracterizarea actorilor atunci când recreezi un personaj.

Vestiar

Se referă la îmbrăcăminte și accesorii purtate pe scenă de un actor sau interpret. Grecii antici au fost pionierii în dezvoltarea de costume specifice pentru fiecare personaj, această artă a servit pentru a reînvia vremurile medievale și a reprezenta mari marchizi ai curții.

Machiaj

Este folosirea produselor cosmetice pentru modificarea aspectului fizic al unui actor pentru a-și adapta aspectul la un anumit rol sau pentru a compensa efectele iluminatului pe scenă.

Arta machiajului a fost revoluționată prin introducerea iluminatului electric și a gazelor și a devenit acum o practică extrem de tehnică.

7- Efecte luminoase și sonore

Plasarea, intensitatea și culoarea luminilor, precum și efectele sonore îl ajută pe regizor să comunice atmosfera, starea de spirit sau sentimentul într-o scenă.

Iluminatul a fost recunoscut ca o caracteristică importantă a producției teatrale atunci când spectacolele interioare au fost oferite pentru prima dată în perioada Renașterii, implicând utilizarea de lumânări și lichide inflamabile.

Inovațiile cruciale în tehnologia de iluminat au inclus introducerea lămpilor de podea, utilizarea reflectoarelor pentru creșterea intensității fasciculelor de lumină și întunecarea luminilor în sală în 1876.

Dezvoltarea iluminatului pe gaz la începutul secolului al XIX-lea a reprezentat un avans major în ciuda pericolelor implicate. Utilizarea iluminatului electric a început la Teatrul California din San Francisco în 1879.

Sistemele de iluminat din zilele noastre în teatrele moderne sunt controlate de tablouri de bord extrem de sofisticate, care pot coordona iluminarea unui întreg sistem. Alte inovații recente au inclus experimente cu lumină ultravioletă, lasere și holografie.

Efectele sonore sunt zgomotele generate pentru a însoți o scenă într-o piesă, care poate fi produsă de computere sau de actori de pe scenă.

8- Director

El este persoana responsabilă pentru unitatea totală de producție și pentru coordonarea eforturilor artiștilor. Locul de muncă al regizorului este esențial pentru producția unei piese, deoarece regizorul este cel care stabilește viziunea asupra producției pentru toți cei implicați.

Regizorul are sarcina provocatoare de a reuni multe piese complexe ale unei producții: scenariul, actorii, costumele, iluminatul, sunetul și muzica într-un întreg unificat. Pentru a îndeplini această sarcină, un manager are nevoie de:

• Interpretați scenariul.
• Colaborați cu designeri.
• Planificați repetițiile.
• Ghidați actorii în activitatea lor în timpul repetițiilor.

Lucrarea regizorului se bazează adesea pe un studiu detaliat și o analiză a scenariului editat. Multe lecturi atente ale scenariului îl ajută pe regizor să dezvolte o viziune individuală a intențiilor dramaturgului. Percepția ta va influența orice aspect al producției.

Regizorii studiază, de asemenea, personajele din scenariu, adunând cât mai multe informații despre trăsăturile lor fizice și psihologice, ceea ce este vital pentru selecția de casting.

9- Audiere

Sursa: Prosperoproducții prin Wikimedia Commons)

Grup de oameni care văd munca. Mulți dramaturgi și actori consideră publicul cel mai important element al teatrului, întrucât tot efortul depus pentru a scrie și produce o piesă este pentru plăcerea publicului.

Deoarece în teatru interpreții sunt prezenți direct cu publicul, se generează un flux circular de energie, actorul afectează publicul și invers. Acest efect este amplificat de faptul că teatrul este un eveniment comunal.

Experiența de grup este indispensabilă, deoarece grupul consolidează emoțiile trăite de individ și creează o conștiință colectivă. Atunci când un grup de indivizi răspund într-un mod similar cu ceea ce se întâmplă pe scenă, relația lor cu ceilalți este reafirmată și consolidată.

Gradul de separare dintre distribuție și public este ceea ce diferențiază teatrul convențional de teatrul participativ.

În primul rând, publicul își folosește imaginația pentru a participa la piesă, în timp ce se detașează de acțiune. În al doilea, actorii interacționează cu publicul încercând să urmeze un scenariu stabilit și improvizat, punând accent pe dezvoltarea personală sau pe terapia de grup.

În teatru, unui public i se cere să accepte multe tipuri de lumi imaginare. O modalitate de a diferenția aceste tărâmuri imaginare este de a le împărți în ceea ce se numește teatru realist și nerealist.

Realismul, care a devenit forma dominantă a teatrului european la sfârșitul secolului XIX, încearcă să recreeze viața atât de îndeaproape încât publicul presupune că trebuie să fie viață. Non-realismul, pe de altă parte, încearcă să transcende realitatea observată și să prezinte partea de viață care există în minte.

Cu toate acestea, este o greșeală să presupunem că aceste două abordări se exclud reciproc. Majoritatea spectacolelor scenice conțin un amestec de elemente realiste și nerealiste.

10- Scenografie

Servește pentru recrearea mediului în care are loc parcelă, scenografia are următoarele obiective:

• Setați tonul și stilul producției.
• Stabiliți ora și locul.
• Distinge realismul de non-realism.
• Coordonează peisajul cu alte elemente.
• Faceți față limitărilor spațiului scenic și zonei offstage.

Toate aceste obiective sunt abordate în mai multe întâlniri între regizor, scenograf și echipa de proiectare. Mai târziu, ideile sunt reflectate în schițe, care după revizii, analiză și modificări permit conceperea design-ului care se potrivește cel mai bine poveștii și viziunii creatoarelor.

Odată încheiată această etapă, proiectele sunt livrate unui director tehnic, care execută construcțiile, ajustările și instalațiile necesare pe scenă pentru materializarea planificatului.

11- Etapa

Echipamentele teatrale, cum ar fi perdelele, podelele, fundalurile sau platformele, sunt utilizate într-o producție dramatică.

12- Props

Sursa: Martinbayo prin Wikimedia Commons)

Există diferite categorii de recuzită. O mare parte dintre recuzitele portabile provin din scenariu și sunt elemente necesare directorului. De asemenea, scenograful solicită, de obicei, recuzite de tip set, cum ar fi mobilierul care apare pe scenă, uneori există o linie de împărțire fină între acest tip de recuzită și designul setului.

Obuzele sunt orice elemente în mișcare care apar în timpul unei spectacole, excluzând costumele și scena. Sunt articole manipulate de unul sau mai mulți actori. O carte, un pistol, un pahar de vin, printre altele.

13- Fapte

Sursa: Martinbayo prin Wikimedia Commons)

Ele reprezintă o diviziune importantă în dezvoltarea piesei. Majoritatea pieselor din perioada elisabetană până în secolul al XIX-lea au fost împărțite în cinci acte de dramaturgii sau de editori ulterior.

La sfârșitul secolului 19, mulți scriitori au început să scrie piese în patru acte. Astăzi, unul, două și trei acte sunt cele mai comune jocuri.

14- Teatre (clădire)

Este spațiul în care se reunesc actorii sau publicul. Este esențial să ai o zonă în care artistul, interpretul, să comunice cu un public în direct.

Clădirile teatrale au evoluat de la amfiteatre în aer liber ale grecilor și romanilor, la incredibilă varietate de forme pe care le vedem astăzi. Este un spațiu care susține schimbul emoțional dintre distribuție și public.

15- Convenție

Sursa: Alain Chaviano prin Wikimedia Commons)

O convenție de teatru este un instrument practic folosit de dramaturgul sau regizorul pentru a ajuta povestea piesei în teatru. Cea mai obișnuită convenție teatrală este aceea a personajelor care vorbesc între ele și se prefac că nu observă publicul.

Adesea numită convenția de al patrulea perete sau al patrulea ecran, simulează existența unei diviziuni (invizibile) între actori și public.

Origini și evoluție istorică a teatrului

Când a început exact teatrul este un mister. Vânătorii preistorici au interpretat povești despre expedițiile lor de vânătoare. Vechii egipteni au cântat cântece sacre și au dansat pentru zeii lor în ceremonii religioase. Dar ideea de teatru ca divertisment dramatic a venit mai târziu.

Cuvintele în engleză pentru tragedie și comedie sunt cunoscute ca provenind din limba grecilor antici. Deși grecii nu au fost primii care au interpretat piese, ei au fost foarte interesați de originile tragediei și ale comediei.

În scrierile lor, filosoful Aristotel și alți scriitori greci au propus teorii și au creat ipoteze despre cum s-a dezvoltat forma de artă a teatrului.

Piese de teatru grecești au fost interpretate în teatre în aer liber. La început, teatrele erau în zone deschise situate în centrul orașului sau lângă dealuri. Publicul era gata să asculte și să vadă corul cântând despre aventurile unui zeu sau un erou.

Spre sfârșitul secolului VI î.Hr. C., structurile teatrale au devenit mai elaborate. Pe măsură ce teatrul devenea din ce în ce mai popular și competitiv în rândul orașelor, teatrele au devenit mai mari cu structuri capabile să dețină până la 15.000 de oameni la un moment dat.

Teatrul a fost în jur de când oamenii s-au reunit pentru a auzi pe altcineva să spună o poveste. Prietenii și familia au împărtășit responsabilitățile publicului și ale interpretului, schimbând roluri atât timp cât cineva a avut o poveste de împărtășit.

Teatrul modern poate fi mai formal, actorii pregătiți să recreeze o poveste și spectatorii sofisticați reacționând la o punere în scenă, dar ideea de a împărtăși energiile între distribuție și public în direct rămâne neschimbată.

Referințe

1. Cameron, K. și Gillespie P. (1999). The Enjoy of Theatre, ediția a V-a. Boston: Allyn și Bacon.
2. Universitatea de Stat Columbus: Condiții de apreciere a teatrului de Deb Moore Recuperat din: theatre.columbusstate.edu.
3. Di Benedetto, S. (2012). O introducere în designul teatrului. Oxon, Routledge.
4. Colegiul comunitar din Virginia de Nord: Introducere în teatru de Dr. Eric W. Trumbull Recuperat din: novaonline.nvcc.edu.
5. Wilson, E. (2010). Experiența de teatru. New York, McGraw-Hill.
6. Wolf, L. (2012). Introducere în teatru: o abordare directă. Bloomington, Xlibris Corporation.